3 月のニューヨークのギャラリーの見どころ

Dec 30, 2023

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街で新しいアートを見てみませんか? 伊藤美代子の特異な抽象画とマーティン・キッペンバーガーの残忍な自画像をチェックしてください。

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マックス・レイキン、ジリアン・スタインハウアー、トラヴィス・ディール、ジョン・ヴィンクラー、マーサ・シュワンダーナー、ブレイク・ゴプニク、ウィル・ハインリッヒ、ドーン・チャン、ジェイソン・ファラゴ著

チェルシー

4 月 15 日まで。Matthew Marks Gallery、522 West 22 Street、マンハッタン。 212-243-0200、matthewmarks.com

2018 年、非営利団体のアーティスト スペースは、シカゴの画家、伊藤美代子 (1918-1983) をニューヨーカーに再認識させました。その特異な抽象画は主に中西部の秘密にされていました。 その再発見から 5 年後、彼女の絵画はニューヨークのマシュー マークスに戻ってきました。そこでは、抑制された肉欲を表現した 16 の美しい作品が、静かな巡礼を呼びかけています。

カリフォルニア州バークレーで生まれたイトウは、1942年に他の日系アメリカ人とともにタンフォラン集会センターに抑留され、教育を断念しなければならなかった。 彼女は釈放後に勉強を再開しましたが、健康上の問題と家族の義務のため、1970 年代までフルタイムで絵を描くことができませんでした。 その後彼女が作ったのは、緩やかに湾曲した立体、ピンストライプの帯、そして墓石のように上部が丸まった長方形の構造化された抽象作品でした。

それぞれの絵画は対照的な層を重ねて構築されており、そのほとんどは後退した空間、さらには古典的な風景を示唆しており、戦後のアメリカの抽象画の平面的な形式とはまったく異なります。 伊東さんは不規則にキャンバスをストレッチャーバーに打ち付け、釘をマーキーのように突き出させながら立ち止まった。 彼女のパレットもまた不規則で、薄暗く、崇高で奇妙な範囲であり、その最も適切な表現は大人かもしれません。 くぐもった緑色。 落ち着いたマゼンタ。 琥珀色ですが、少し柔らかいです。 アプリコットですが、少し濃いめです。

伊東の色彩はエロティックでありながらも控えめでもあります。 それらはジョルジオ モランディの減衰したトーンを参考にしており、ミウッチャ プラダの醜くてシックなパレットを予感させます。 しかし、彼らの正式な名前はいったい何なのでしょうか？ ガチョウの糞の緑がかった灰色。 日没10分前の空の赤紫…。 伊藤の芸術には、フリードリヒ・シラーが言ったように、「官能と理性、義務と傾向が調和した」ときにのみ現れる言葉にならない美しさがあります。 ジェイソン・ファラゴ

アッパー イースト サイド

4 月 22 日まで。Hauser & Wirth、32 East 69th Street、マンハッタン。 212-794-4970、hauserwirth.com。

ジョージア州の田舎で生まれ、大叔母に育てられたウィンフレッド・レンバート（1945年～2021年）は、ジム・クロウ南部で最も残酷なトラウマを経験した。 彼の子供時代とチェーンギャングでの数年間は綿花の摘み取りに費やされ、それが彼の意識に刻み込まれました。 21 歳のとき、彼はリンチに近いところから生き残りました。この恐ろしい出来事は彼を悩ませ、彼のライフワーク全体に響き渡りました。

ハウザー＆ヴィルスでの彼のキャリア調査「私のすべて」で展示されている、染色され彫刻された革の絵画は、不正義や暴力の物語から懐かしい家庭の風景まで多岐にわたります。 最初のカテゴリーには、木に首を吊るされた黒人男性を描いた「ジョージア・ジャスティス」（2015年）や「オールモスト・ミー」（1997年）などの作品が含まれる。 「Soda Shop」（2007）と「Jeff's Pool Room」（2003）ではレジャーや社交シーンが描かれ、「Winfred Rembert Going North」（1997）では荷物が詰まった車、そしておそらく夢が描かれています。

レンバートの作品における一貫したモチーフの 1 つは、多くの絵画に現れる白い点です。 これらは 3 階で最高潮に達し、渦巻くリズミカルで一見抽象的な構図を持つ一連の絵画になります。 ここにある作品は楽しくて祝賀的なものに見えますが、「Mixed Rows (A Chain Gang)」(2013) のような作品をじっくりと観察してみると、綿花摘みを強制される労働者たちの暗い物語が浮かび上がってきます。 ショー全体を通じて、レンバートの物語は綿畑の中の小さな白い点のように機能します。個人的ですが、アメリカにおける人種化された暴力と不正義の膨大な歴史の一部です。 マルタ・シュヴェンデナー

アッパー イースト サイド

4 月 22 日まで。Skarstedt、20 East 79th Street、マンハッタン。 212-737-2060、skarstedt.com。

1980年代、勇敢な若きマーティン・キッペンバーガーは同僚の羨望の眼差しを集めた。 1990年代、彼は肥大してうんざりしていたので、同情を集めました。 厳しい生活を送ったこのドイツ人画家は、1997年に肝がんのため44歳で死去した。彼が残した多岐にわたる作品は、彼の悪童伝説と衝突している――公の場では（少なくとも表面的には）あえて失敗を恐れず、彼のキャンバスは予測不可能だった人物として、しばしば圧倒されますが、時には不安になるほど激しいです。

アーティストの70歳の誕生日を記念してスカルシュテットで展示されている8点の絵画（1984年から1996年）は、その比率がほぼ正しい。 半分は残忍な自画像であり、ピカソやシーレの表現（または一般的に苦しむ男性の姿）をもてはやし、絵画的な誇示と事実上の自己虐待の発作を表現しています。 最も特異な作品は、1984 年の「ニーダー・ミット・デア・インフレーション」（「ダウン・ウィズ・インフレ」）で、写真を基にした二分構成である。左側には、キッペンバーガーがお腹から下とパンツ（伝えられるところによると、よくそうだった）から自分自身を描いている。足首の周り。 右側には、わかりにくく変幻自在のオレンジ色の運動器具が嘲笑しているように見える。 ここで一番古い作品です。

このショーの欲望と諦めの素晴らしいブレンドに勝るものは、最新作である。1996 年の「恐竜の卵」では、長方形の甲羅の真ん中にカールした幼児の長い首が中心にあり、その植物色の皮膚と、球根状の目は、熱い花びらのような絵の具の斑点で飾られています。そのイメージは、子宮のようであると同時に墓のようでもあります。 膜は静脈が生きていながらも裂けていて、おそらく時期尚早で失敗しており、おそらく奇跡を起こす準備ができているのでしょう。 トラヴィス・ディール

ローワー イースト サイド

4 月 15 日まで。Betty Cuningham Gallery、15 Rivington Street、マンハッタン。 212-242-2772; bettycuninghamgallery.com。

知的な抽象画で有名なニューヨーク市の画家が田舎に移住し、木を描き始めるが、誰もがそれを許しがたい裏切りだと考える。 これは、絵画コンテンツの厳格な境界についての面白い常套句であり、日没を乗り越えてキュビズムのような本格的な何かを行うことを期待されているアーティストの想定される進歩の逆転です。 おそらくジェイク・ベルトートはその知恵に気づいていないか、気にしていなかったのだろう。 1970 年代の彼の感情的でほぼモノクロの絵画は、ミニマリズムの侵入に抵抗し、それを和らげ、ジェスチャーと感情に関するモダニズムのアイデアに忠実であり続けましたが、キャッツキル山脈の風景のためにそれらを放棄しました。

ただし、ベルトートの風景は実際にはキャッツキル山脈や他の場所のものではありませんでした。 ここで展示されている 20 点のうちの半分を占める彼の初期の絵画では、焦点をずらすために切り欠きのある端や中央の柱が使用され、酸化した緑と錆びた亜鉛の自然主義的なパレットに目を引きずるように誘われていましたが、彼の後期の作品 (残りの半分、 1996 年から 2014 年まで) は、複数の消失点を介してその戦略を倍増させ、実空間の具体的なパラメータを侵害しました。 これらの写真は、自然をフェイントのように身に着けています。ローム質の茶色と黄土色には、幽霊のような白樺の木や尾根から漏れる太陽光のヒントだけが含まれており、その組織化されたグリッドは幽霊のようにかすかに見えるように残されており、心の牧歌的なものです。

ベルトートは反抗的な芸術家であり、病気と闘いながら人生の終わりに向けて描いた絵画を、静けさと恐怖の間で揺れ動くものとして見たい誘惑に駆られます。 しかし、それは彼のビジョンを損なうことになります。 彼は最初から虚無と格闘していた。 マックス・レイキン

トライベッカ

4 月 10 日まで、マンハッタン、ノース ムーア ストリート 9 番地、サパー コンテンポラリー。 saparcontemporary.com。

1972 年、ビルゲ・フリードレンダーは具象画家として深海ダイビングをしました。 彼女が現れたとき、それは「絵画ではない絵画…空間の無空間を描く」という新たなビジョンを明確に持っていました。 彼女がたどり着いたものは、静謐な平面の紙作品や本のような物体で、引き裂き、線、四角というエレガントな還元的語彙で語られています。 しかし、その余裕の中に、無限の宇宙論と抽象化の変革の可能性への信念が存在します。

2000年に亡くなったフリードレンダーは、1958年にトルコから米国に移住し、そこで彼女の作品はアメリカのミニマリストやポストミニマリストのモードと結びついています。 「アンドロシア」(1975 年) などの作品は、シモクセイの紺碧の地面に浮かぶ広場を描いた水彩画で、アグネス・マーティンの精神的な探求を共有しています。 「エミリー・ディキンソンへのオマージュ」（1977年）は、4つのモスリン製の正方形を紐で敷き、自由端が壁にきちんと垂れ下がるように蜜蝋で固めたもので、エヴァ・ヘッセの体系的な反復と、だらしなく有機的な形態への魅力を呼び起こします。 それはディキンソンの「心に裂け目を感じた / 脳が分裂したかのようだった」を思い起こさせます。

フリードレンダーの芸術が出発するところは、その超越主義にあります。 彼女の紙の作品は、ベールに包まれた真実、神ではなく自然に対する障壁についてのスーフィー神秘主義の教えを呼び起こします。 紙の破れは目に見えない世界を可視化します。重ねられたシートの層だけでなく、紙そのものの繊維も、生命のようにランダムで制御不能な方法で露出します。 涙の不規則な輪郭が鉛筆の線に反映され、視覚空間とその境界の向きが変わります。 これは幾何学と同じくらい詩的です。知覚できないものを知覚する無限の方法の認識です。 マックス・レイキン

チェルシー

4 月 15 日まで。Garth Greenan Gallery、545 West 20th Street、マンハッタン。 212-929-1351、garthgreenan.com

ロバート・モリスは、彫刻家として頭角を現した戦後の時代を振り返り、「大きな不安」は「装飾的なもの、女性的なもの、美しいもの、要するにマイナーなものに陥ること」だったと語った。 彼が言及しなかったのは、女性によるほとんどすべての芸術はそれらの形容詞で説明され、却下されざるを得ないということだった。

それだけに、96歳になった現在も現役で活動するロザリン・ドレクスラーの初期の作品には、ますます驚かされる。1960年前後に制作されたこのショーのアートは、恐れることなくその女性らしさを宣伝している。

「ピンクの翼の勝利」と呼ばれる風変わりな小さな彫刻は、高さがわずか9インチにも満たないが、ルーヴル美術館のニケの人物像に、際立った外陰部を加えた生物形態的で、ほとんど抽象的なリフのように見える。 かろうじて大きい彫刻「ファット・レディ」は、その主題を、緑と黒の縞模様の細い脚と、その上に誇らしげに座る大きなピンクの塊として描いている。批評家のルーシー・リパードがかつて思い出したように、ピンクとパステルは女性の芸術においてタブーとみなされていた時代。

ガース・グリーナンでは、明るい色のマーカーで描かれた十数枚の小さな絵は、主題が率直にポルノであることを除けば、ほとんど元気な子供の作品として通用するでしょう。 描かれた性行為の中で、ドレクスラーは女性の喜びについて考えているようだ。

それでもなお、ここにあるもののほとんどがナイトスタンドにぎっしりと並ぶようなものではないことを考えると、ドレクスラーは、女性としての権利を享受するという彼女のビジョンを、本格的な公共消費に向けたものとしてまだ想像できていないようにも感じられる。 ブレイク・ゴプニク

チェルシー

4 月 15 日まで。Matthew Marks Gallery、523 West 24th Street、マンハッタン。 212-243-0200、matthewmarks.com。

ポール・シツェマの最新の絵画は、その形に忠実に、非の打ち所がありません。ペイントされた携帯電話、紙幣のクローズアップ、ピカソ展の広告を描いた進行中のシリーズへの新しいエントリーは、あなたが陥るかもしれないほどの正確さで詰め込まれています。 1990 年頃、グラン パレでの大規模なピカソ展が、彼の傑作ポスターのコレクション用ポートフォリオを発表しました。 これらのピカソのビンテージ複製品がオリジナルの筆致を平坦にしているのに対し、シツェマのコピーのコピーは芸術家の手を芸術に戻します。 その効果は幻想的で重層的であり、押しつぶされ、色あせた絵画のイメージの不気味な絵画です。 非常に落ち着いた色は、30 年を一度に物語ります。

メディア、表現、美術史、そして天才の仕組みに対するシツェマの魅力は、それ自体少しレトロに感じられます。 引き裂かれたり折り畳まれたりしたポンドとドルを拡大したコラージュで、すべて「馬車の絵」と題された通貨作品は、豊かなピンクと翡翠色で、偽造者を挫折させることを意図した渦巻きや透かしを楽しんでいる。 このシリーズは、絵画の投資価値を恥ずかしそうに認めています。 ああ、お金と批評についての何という風変わりな概念でしょう。 電話は、これらすべてをさらにエレガントに伝えます。 一連の四角い単色のエナメル絵（「黄色い電話の絵」、「緑の電話の絵」など）は、光沢のある絵の具のタイトル通りの色合いで覆われた回転式電話を描いています。 飽和したキャンバスは、その正確さ、絵の具に突き刺さった髪の毛の剛毛のような細さ、コルク栓抜きのコードの輝きでまばゆいばかりです。 90年代に絵画の死についての議論が求められたとき、シツェマの絵画はそれに応えます。 トラヴィス・ディール

ローワー イースト サイド

4 月 15 日まで。事務局、178 Norfolk Street、マンハッタン。 212-227-2783、ビューロー株式会社.com。

ビラージ・ドディヤの絵画とハイディ・ラウの彫刻の組み合わせにより、彼らのショー「Shadow Speak」は、2 人の異なるアーティストによる作品コレクションというよりも、単一の没入型インスタレーションのように見えます。 ラウの施釉セラミックと鋳造ガラスの彫刻は、古いものを消費するのに忙しい、まだ沸騰している原始の粘液から新しい世界が出現するかのように、古代的であると同時に未来的であるように感じられます。 顔、手、オオカミのように見えるものなど、認識可能な要素がフォーム内で識別できます。 ニューヨークを拠点とするこの彫刻家の作品は、床やテーブルの上に置かれたり、セラミックレリーフのセグメントを積み重ねて作られた 2 つの柱状の作品のように壁に取り付けられたりしています。 多くはイソギンチャクや、レモンと人間の手を交差させたような果物の仏手シトロンに似た鋳造ガラスを特徴としています。

ラウの作品が見慣れたものの断片で異世界を表現するのであれば、ドディヤの幻想的な抽象化は雰囲気と構造の両方で雰囲気を満たします。 ムンバイを拠点とするこの画家のリネンに油彩を施した大規模な作品は、青、クリーム色、淡い黒の色調と対照的な「スプリット ケイブ」（2023）の支配的な緑と紫など、クリフォード スティルの側面を思い出させます。 彼女の最も興味深い作品には、麻布に描かれた小さな絵が片面または両面に挟まれた、塗装された木の板が組み込まれており、時には柱や十字架のような集合体を床に固定する塗装されたスチール製の箱が使用されています。 ドディヤの建築上の厳密さは、ラウのより有機的な作品と見事に対照的です。 これらのアーティストの強みが組み合わさって互いに増幅し、夢のような幻想的な世界を作り出します。 ジョン・ビンクラー

チェルシー

4 月 8 日まで。ジャック シェインマン ギャラリー、513 West 20th Street、マンハッタン。 212-645-1701、jackshainman.com。

ローズ B. シンプソンは、ニューメキシコ州のサンタ クララ プエブロで、母親、祖母、そして彼ら以前の陶芸家の長い系譜から受け継がれた陶芸技術を応用し、更新しながら、大胆で別世界のような粘土像を制作しています。

ニューヨークでの彼女の初個展である「Road Less Traveled」の作品のいくつかは、エジプトの埋葬用の壺のように、頭と胴体だけで構成されています。 「Conjure II」では、頭だけがリングの雲を通して見上げています。 しかし、シンプソンの人々の何人かは完全に形成されており、正確な脚と胴体、信じられないほど長い首、狭くて空っぽの眼窩を備えています。 「リリース」は腕の代わりに、肩の輪から粘土ビーズの長いネックレスをぶら下げています。 胸の周りには長い麻ひもが巻き付けられており、指紋の形をした白と灰色の斑点が点在しており、まるで古代の川底から這い出て自らを彫刻したかのようです。 それらすべてにおいて、シンプソンは、十字になる X 、引用符や等号のように見える短いダッシュのペア、3 つまたは 4 つの自然な色合いなど、少数の視覚要素を機敏に使用することで、驚くべき深みと範囲の感覚を実現しています。赤と黄色。

シンプソンのハンサムで厳粛な顔を眺めながらショーを歩き回っていると、彼らがここで何をしているのかと不思議に思うかもしれません。 彼らは霊ですか？ 神様？ 自画像？ 死んだ？ しかし、ほとんどの作品は、水瓶を彷彿とさせますが、目以外に開口部がないことに気づくと、それが目撃者であることが理解できるでしょう。 ウィル・ハインリヒ

アッパー イースト サイド

4 月 8 日まで。Galerie Buchholz、17 East 82nd Street、マンハッタン。 212-328-7885、galeriebuchholz.de。

ドイツのアール・ヌーヴォーの芸術家、マルクス・ベーマー（1879-1958）が 1912 年にニューヨークのベルリン写真会社で個展を開催してから 1 世紀以上が経過しました。ブッフホルツでの現在の展覧会は、失われた時間を補い、驚くべき範囲を詰め込んでいます。彼の版画、素描、絵本をアッパー イースト サイドのスペースに展示しました。

ベーマーはベルリンに定住するまで、幼少期をワイマール、ミュンヘン、パリ、フィレンツェを転々と過ごしました。 彼はイギリスのアール・ヌーヴォーの先駆者であるオーブリー・ビアズリーのほか、日本の木版画やペルシャの細密画からインスピレーションを得て、バルザック、ヴォルテール、ゲーテ、オスカー・ワイルドの本の挿絵を描きました。 ベーマーの出版社のために作られた 1924 年の詳細なエッチングは、過去と現在の文学界に敬意を表していますが、1908 年のエッチングは芸術の世界を串刺しにしています。巧みに描かれた、充血した昆虫の下に書かれたテキストは、「一般的な美術史家」を描いています。食べ物は南ヨーロッパから来ています。 「適切な駆除手段はまだ見つかっていない」と偽科学文書は結論づけている。

その後、ベーマー自身も攻撃を受けることになる。 同性愛者であることを公にし、ユダヤ人出版社と緊密に協力し、現代ヘブライ語書体をデザインしたが、1930年代にナチスによって投獄された。 投獄中に描かれた自画像には、イルカに守られながら「インビンシブル」と呼ばれる船を航行する彼が描かれている。 ベーマーの作品は明らかに現在の政治情勢と共鳴しています。 その啓示は、華やかで時代遅れだと思われがちなアール・ヌーヴォーが、進歩的な大義のために闘うために、幻想的な寓話、寓話、巧みな風刺を利用して、彼にとって強力な手段として役立っていたということである。 マルタ・シュヴェンデナー

チェルシー

4 月 15 日まで。Alexander Gray Associates、510 West 26th Street、Manhattan、212-399-2636、alexandergray.com。

メルビン・エドワーズは、米国の人種暴力に対抗して1960年代初頭に始めた、溶接された金属スクラップで作られた一連の壁彫刻「リンチ・フラグメント」で最もよく知られている。 しかし最近、エドワーズの別の側面が明らかになりました。インスタレーションに携わるアーティストであり、熟練した画家でもあります。 アレクサンダー・グレイの「Lines for the Poet」は、彼のキャリアの見過ごされてきた側面のいくつかを明らかにします。

20 世紀の彫刻は色彩の要塞ではありませんでしたが、エドワーズは 1974 年頃に制作された一連の水彩画で、自らが活発な色彩主義者であることを示しています。さらに、黒人芸術家にとっては、主流の抽象画に取り組むべきかどうかというジレンマがありました。前衛的なモード、または比喩的および具象的な芸術。歴史的に社会正義の追求のために擁護されてきました。 水彩画はその両方を巧みに表現しています。あふれ出る水滴や飛び散りだけでなく、投獄と抑圧を示唆するフックや鎖の影の痕跡もあります。

鉄骨の梁に有刺鉄線を取り付けたポスト・ミニマリストのインスタレーション「Lines for the Poet」は1970年に構想され、今年完成した。 （エドワーズの同様の作品は、ディア・ビーコンで長期展示されている。）この彫刻は、フレッド・サンドバックが毛糸で作った空間インスタレーションを彷彿とさせるが、同時に、厳格なミニマリストの語彙を活用し、社会批判に利用しました。 結局のところ、モダニズムの抽象化は自由とユートピアを示すものと考えられていました。 多くの人にとって解放はまだ手の届かないところにあるということを、エドワーズのような芸術家が私たちに思い出させてくれたのです。 マルタ・シュヴェンデナー

トライベッカ

4 月 1 日まで。ジェームズ コーハン ギャラリー、マンハッタン、ウォーカー ストリート 52。 212-714-9500、jamescohan.com。

複雑で、贅沢に装飾され、悪魔的で奇妙である、沢田新一の薪で焼いた陶器の生き物は、ガーデンノームの生意気さと神社の彫像の荘厳さを交互に映し出します。 この日本人アーティストのフィギュアが初めて世界的に知られるようになったのは、2013年のヴェネツィア・ビエンナーレで、キュレーターのマッシミリアーノ・ジョーニが「例外と奇抜さ」を称賛しようとして、いわゆるアウトサイダーアーティストを数多く特集した。

このような文脈により、批評家たちはこのアーティストのアウトサイダーとしての立場をさらに強調する許可を得たようだ。 彼のギャラリー展のレビューでは、自閉症と診断された澤田がほとんど言語能力がないことが頻繁に言及されている。 しかし、この伝記の詳細は、人間に関心のあるストーリーを構築するというよりも、アーティストの声明や壁のテキストを必要とする多くの芸術作品とは異なり、制作者がまったく文字通り沈黙を保っているにもかかわらず、彫刻がいかに説得力があるかを伝える試みを表しています。 澤田の作品は、私たちが言葉で考えていないときに見ているものを思い出させます。 「無題 (153)」では、木の幹の尾根に誰かが想像するであろう、節のある顔が描かれています。 「無題 (151)」は、夜、寝室の隅でうずくまる虫のような半幻覚に似ています。

この作品は確かに日本の伝説に登場する超自然的な精霊である妖怪を思い出させますが、さらに遠く離れた伝統も呼び起こします。 アメリカの民俗芸術の木彫りとの類似点や、コートジボワールのマスクとの不気味な類似点に気づくかもしれません。 しかし、これを文化の盗用と呼ぶのは違和感があります。 このショーは、私たちが遭遇する世界的な神話が、アニメ作品であれ、古いナショナル ジオグラフィックスであれ、美術館の展示品であれ、おとぎ話であれ、どのようにして私たちの潜在意識の渦に入り込み、本格的な個人的な宇宙論へと出現し、生まれ変わるのかを例示しているようです。 ドーン・チャン

トライベッカ

4 月 1 日まで。ジャクリーン サリバン ギャラリー、マンハッタン、ウォーカー ストリート 52。 ジャクリーンサリバンギャラリー.com

ベアトリス・ボニーノはパリを拠点とするイタリア人ですが、このショーでは彼女が地球に落ちてきたアーティストになる可能性があります。

それはまるで彼女が、この地球上で通常支配されている美学に対してまったく素朴なサリバンの古典的なロフト空間に着陸したかのようです。

新しい家にテーブルクロスが必要だったボニーノさんは、近くの通りに買い物に行き、スチールウールのかせをバスケットに編んで織物にすれば十分だと判断しました。

空間を仕切るカーテンが欲しいと思った彼女は、その役目を果たす巨大な半透明のラテックスシートを見つけた。地球人にとってその素材は、たとえ目には心地よいものであっても、コンドームや最近のパンデミックのゴム手袋を彷彿とさせるものであることに気づいていない。 彼女がスツールを覆っている黒いゴムは、私たちにはまったくの葬儀のように見えますが、彼女にとっては間違いなく、ここに来るまでに通過した心地よい光年の宇宙空間を思い出させます。

ボニーノの粗雑に作られた粘土製のティーポットは、地球の陶芸家が作る素晴らしいティーポットのスケッチである可能性があります。植物学者が、植物がどのように組み立てられ、そのすべての部分が何をするかを理解するのに役立つように、初めて見た新しい植物の簡単な絵を描く方法です。

ボニーノのショーに登場するオブジェは、私たちの家庭の美学を間違って捉えており、私たちの趣味が普段いかに隠れて縛られているかを気づかせてくれますが、決して後期のサルバドール・ダリの溶けた時計の常套句に陥ることはありません。 ここには、熱狂的な目新しさではなく、「普通の」美しさがあります。それはたまたま誰も見たことのない普通のことなのです。 ブレイク・ゴプニク

トライベッカ

4 月 1 日まで。マンハッタン、ウォーカー ストリート 52 番地、52 ウォーカー。 212-727-1961、52walker.com。

ツヴィルナーのリニューアルされたダウンタウンのスペースでのショー「Impossible Failures」では、ゴードン・マッタ・クラークとポープ・Lのインスピレーションを受けた組み合わせが、漫画のような不協和音によって支配されています。 もちろん、1978年にわずか35歳で亡くなったマッタ・クラークは、サウス・ブロンクスを含む非難された建物を優雅にスライスして切断したことで有名だ。 彼は 1970 年代にソーホーに定住したアーティストの一人でもあり、52 ウォーカーにおける彼の作品の存在は際立っているように感じられます。 進行中のカットを描いた 3 つのビデオ (フィルムから転送) が 3 つの壁に投影されます。 『コニカル・インターセクト』のドキュメントでマッタ・クラークとスタッフがパリのアパートを通り抜けた場所では、まるでギャラリーを鋸で切り開いているかのようだ。

Pope.L が実際に持っているものは次のとおりです。訪問者が目にする最初の作品は、建物の玄関の壁を貫通した直径 1 フィートの円で、反対側にあるマッタ クラーク投影の 1 つをコミカルに貫通し、厳粛な白い立方体をしぼませています。 ひどいパフォーマンス、特にビジネスマン（またはスーパーマン）に扮してニューヨークを徘徊する一連の壮大なパフォーマンスで知られる Pope.L は、マッタ＝クラークの詩的なものに皮肉な都市感覚をもたらしています。 Pope.L による新しいインスタレーション「Vigilance aka Dust Room」はギャラリーの中央にあります。ツーバイフォーとベニヤ板でできた白い箱には、タイマー付きのファンが装備されており、葉っぱ吹き機の合唱団のように聞こえます。 片側にある 2 つの小さな窓からは、明暗が渦巻く発泡ペレットで分厚い薄暗い内部が見えます。 それは力強く、自由で、過剰に構築されており、脱工業化都市のエントロピーとその住民の希薄なダンスの記念碑です。 トラヴィス・ディール

トライベッカ

3 月 25 日まで。ジェームス・コーハン、マンハッタン、ウォーカー・ストリート 48。 212-714-9500、jamescohan.com。

ジェームズ・コーハンにおけるこのメディアのパイオニアであるビル・ヴィオラによる 2 つのビデオ作品は、50 年近く前の作品であるにもかかわらず、現代的な印象を与えます。 最初の作品「He Weeps for You」（1976）では、ヴィオラは一滴の水からドラマを絞り出すことに成功しました。 カメラの極端なクローズアップは、銅パイプの底部に焦点を当てており、そこでは水滴が 1 つずつゆっくりと連続して形成され、下のドラムヘッドに落ち、深く増幅されたブームが発生します。 連続する浮遊滴はそれぞれ独自のレンズとしても機能するため、パイプとカメラの前に立っている視聴者は、放出前にカメラのライブフィードビデオ投影内で反転して滴自体の中に含まれているように見えます。これは、自分の滴を観察しているのと同じです。スプーンの凹面に映る、ひっくり返ったような反射。 インタラクティブな不気味な効果は、10 年前の草間彌生の「無限の鏡の間」（1965 年）を思い出させます。

2 番目の作品「The Reflecting Pool」(1977 ～ 1997 年 9 月) では、7 分間のビデオが前景の長方形のプールとその後ろに広がる森を中心にしています。 アーティストは木々から出てきてプールの端まで歩み、そして飛び降ります。 重力に逆らった超現実的な休憩では、彼の体はジャンプの途中で停止し、空中で凍りつきますが、水は下で緩やかに波打ち続けます。

彼らは、自撮り写真、TikTokのスタント、ほぼすべてのポケットにビデオカメラが入っている現代の瞬間を先取りしていますが、作品は安っぽい見世物ではありません。 ヴィオラは、自然とテクノロジーを並置して、彼の芸術に微妙な環境意識を吹き込む、不安を伴う危険な組み合わせを生み出します。 ジョン・ビンクラー

フラットアイアン地区

3 月 25 日まで。Center for Book Arts、28 West 27th Street、3 階、マンハッタン。 212-481-0295、centerforbookarts.org。

非営利の Center for Book Arts は、ニューヨークでほぼ半世紀にわたり活動してきました。 その歴史は、作家ミーガン N. リバティが企画した密度の濃い楽しい展覧会「クラフトとコンセプチュアル アート: アーティストの書籍の遺産を再形成する」の物語の一部を形成しています。 このショーは、1962 年から 1996 年までの米国におけるアーティストの書籍の発展を追跡するタイムラインとアーカイブの一時的な記録から始まります。

同じ時期に展示された書籍や複数の書籍は、このメディアの隆盛の力と範囲を伝えています。 フルクサス、フェミニスト、コンセプチュアル アーティストだけでなく、特定の運動と実践が一致せず、それらの間で共鳴が生じる他の多くのアーティストも参加しています。 サス・コルビーの自伝『ライフブック：1939～76』（1976～78年）のアクセントとなった手縫いのステッチは、キース・スミスとセシリア・ビクーニャの本を固定する彫刻の糸となっている。 レジナルド・ウォーカーの『Haqazzuzza』（1985 年）は、ゴム印と古代のレタリングを備えた、抽象化された読めない新聞であるミルタ・ダーミザッシェの『Diario No. 1. Año 1』（1975 年）と同じくらい、暗示的に不可解です。

リバティ社の前提は、本に関して言えば、素材よりもアイデアを重視するコンセプチュアル・アートと、アイデアよりも素材を重視する工芸とが実際にはそれほど離れていないということです。 彼女の議論は、エド・ルシャのいたずらっぽい「Stains」（1969年）のように、精子やキャベツなどで汚したページのポートフォリオのように、単一の作品が両方から借用しているように見える場合には特に説得力がある。 では、なぜアートの世界ではあるジャンルが他のジャンルよりもはるかに高く評価される傾向があるのか​​、という疑問がずっと残ります。 ジリアン・スタインハウアー

アッパー イースト サイド

3 月 25 日まで。Sprüth Magers、22 East 80th Street、マンハッタン。 917-722-2370、spruethmagers.com。

カレン・キリムニクは、意図的に口を滑らせる達人です。 彼女の絵画は、同様に切なくも意図的にナイーブで、そのイメージは美術史、ファッション雑誌、その他のポップカルチャーの遺物から拾い集めたもので、研究された怠け者のよそよそしさを持つ十代の少女の愛情を呼び起こし、それぞれのポーズには自己所有的なキャンプが息づいています。

ミレイユ・モズラーがユーモアを交えてキュレーションした「ルネッサンスの王国」では、同様の関心を持つ古い巨匠作品と並んでアーティストの馬や猟犬が配置されており、キリムニクのキッチュで甘い「雪で遊ぶ猫、シベリア」（2020）がアンリエット・ロナーに加わっています。 -クニプの同様に粉っぽい「オッドアイの猫」（1894年）や、エドウィン・ランドシーアの「高地の看護師」（1854年）の雄大な雄鹿が、キリムニクの塗り絵のトナカイのクレヨンの線に滴り落ちています。 これらの組み合わせは、誰かが悪印象を与えているようにおかしく見えるかもしれませんが、キリムニクの写真は一見洗練されています。 彼女の筆運びの緩さは、すでに注意がそちらに移っている人物を示唆しています。

これは、キリムニクの原曲に対する忠誠心（基本的にゼロ）の研究というよりも、その比喩やロマンチックな執着を彼女が発掘する方法を巧みに解剖したものであり、それらのエコーの中でそれ自体がかなり不気味であることが証明されています。 （ここでの唯一の直接的な関係は、キリムニクの「路地でのディナー」（2010）です。これは、1650 年にヤン・バプティスト・ウィーニックスの食事を守る心配そうな犬を効率的に蒸留したもので、キリムニクはオークションのカタログでそれを見つけました。私たちのほとんどと同じように、彼女もそれを見ました。彼女が献身的であるとすれば、それは消費理論、つまりイメージの過剰な循環によってすべてがどろどろのパルプに押しつぶされる方法に対するものである。 キリムニクの修正主義では、果肉は際限なく弾力性があります。 マックス・レイキン

トライベッカ

3 月 18 日まで。アーティスト スペース、11 Cortlandt Alley、マンハッタン。 212-226-3970、アーティストスペース.org。

作曲家の利根康直は1935年に東京に生まれ、1958年に即興音楽アンサンブル「グループ音楽」に参加した。1963年に千円札偽造で逮捕された芸術家仲間の赤瀬川原平の弁護のため声明を書いている。利根は自分の作品にそれを取り入れ、自分のポートフォリオに批評を加えるよう説得し、すぐに影響力のある雑誌『美術手帖』に定期的に寄稿するようになった。 1973 年に彼はニューヨークに移り、そこでマース・カニンガム、ジョージ・マチューナス、センガ・ネングディなどのアーティストとコラボレーションし、CD やその他のメディアを改変することでアートにおける「グリッチ」の使用の先駆けとなるのに貢献しました。

トーンのようなアーティストにとって回顧展を開催するのは簡単ではありません。彼の作品は文脈に依存し、一時的なものだからです。 しかし、Artists Space のキュレーター、ダニエル A. ジャクソンは、それを巧みに管理しています。 彼女は、赤ちゃんの写真の上に漢字のような文字を描いたものや、赤ちゃんの写真の上に描かれた漢字のようなものなど、ありとあらゆる物体や芸術作品を集めています。 プリペアドピアノ。 氷の塊で電子オルガンを演奏するトーンの写真。 「使用済みのサンドペーパー」を入れるための小さな手作りの箱。手紙、楽譜、ポスター、赤瀬川のメモの束など、歴史上の一時的なものに大きく依存しています。 しかし、彼女はすべてを明晰だが非直線的な方法でアレンジし、いくつかのコンサートビデオのサウンドトラックを重ねることで、冗談だが真剣、繊細だが控えめ​​に奥深い演奏をしているような感覚を巧みに再現している。 ウィル・ハインリヒ

ノリータ

3 月 18 日まで。Andrew Edlin Gallery、212 Bowery、マンハッタン。 212-206-9723、edlingallery.com。

レイ・マターソンの刺繍は、そのサイズと複雑さで驚くべきものです。詳細な画像は、どちらの辺も 5 1/4 インチを超えることのない長方形で表現されています。 彼の現在の展覧会で最も小さな作品の 1 つは、「Sunrise Sunset」（1999 年）と題されており、バルコニーとその向こうのビーチにつながる出入り口で二股に分かれた部屋を描いています。 赤いブラジャーが手すりに掛けられ、外の水面に沈む夕日が、色鮮やかな日の出を眺めるカップルのフレーム内の画像を引き立てています。 Materson は、これらすべてとそれ以上のものを、わずか 2 × 2 ¾ インチの領域に収めています。

このアーティストは、薬物中毒中に犯した強盗の罪で服役していた刑務所でキャリアをスタートさせた。 彼は裁縫をしていた祖母のことを思い出し、プラスチック製のボウルの蓋で即席の刺繍枠を作り、糸のために靴下をほどいた。 警備員が彼に針を渡した。 それは1988年のことだった。それ以来、マターソンは潔白になって刑務所を出て、刺繍を続けている。 彼はギャラリーや美術館で作品を展示しており、中には作品を収集している美術館もあります（アメリカ民俗美術館など）。 靴下の糸は今でも彼のお気に入りの素材です。

ここにある作品は、彼の 30 年以上のキャリアを網羅しています。 それらは、父親の描写などの個人的な作品から、文化的象徴の感傷的なポートレート、そして告発的な政治的発言から、宇宙人が登場する SF シーン「インベイジョン」（2022）のようなキャンプ的またはより超現実的な画像まで多岐にわたります。 主題が何であれ、刺繍は刺激的です。 マターソンの巧みな構図と細心の注意を払ったステッチは、彼の作品に、その作りの新しさが消えた後も残る豊かさを与えています。 ジリアン・スタインハウアー

なぜなら

3 月 18 日まで。エリック ファイアストーン ギャラリー。 マンハッタン、グレート・ジョーンズ・ストリート40番地。 646-998-3727、ericfirestonegallery.com

マーサ・エーデルハイトの絵は 1974 年にちょっとした騒動を巻き起こした。おそらく人々が体脂肪 18% を超える肉体を見ることに反対したためか、あるいは彼女が男根を描いた女性だったからかもしれない。 エーデルハイトのヌードは今日（実際には1974年の）基準からすればおとなしく、ジョーン・センメルほど露骨に性的ではないし、ベティ・トンプキンスのように文字通りポルノから出典したものでもない。 ほとんどの場合、彼らはただ街をぶらぶらしたり、屋上に広がったり、青白い肌が白いレンガのスカイラインに溶け込んだり、より公平な「エル・デジュネ・シュル・レルブ」のように羊の牧草地でくつろいだりしているだけです。 エーデルハイトの主人公たちが対立的であるとすれば、それは彼らがシッターの性格を保持しているためであり、あたかもセントラルパーク動物園にバフに現れるのはベーグルを拾うのと同じくらい無礼であるかのように、彼らの顔は退屈でたるんだ。

エーデルハイトの視界は時々ニューヨークから漂い、南西部の星空の広がりを横切って広がる身体を想像した。 しかし、彼女の姿は都市の現実空間において真の超越性を実現します。 （赤い砂のメサの無限の空き地にいると、何の妨げにもならないと感じるのは簡単です。ジョージ ワシントン ブリッジを眺めながらやってみてください。）「果物のあるメジャー ディーガン高速道路」（ 1972-73)、どちらも西洋の伝統を発信し、新鮮なものにしています。

エーデルハイトにとって、この都市の建築環境は、他の砂漠と同じように霊的な啓示を与えてくれます。 クリーミーなパステルで描かれた身体は、アザラシの囲いの前で単一の塊に溶け込むか、セントラルパークの湖に溶け込み、風景そのものとなり、芸術が生活に不可欠であることを詩的に描写しています。 マックス・レイキン

ソーホー

3 月 18 日まで。アーティスト スペース、11 Cortlandt Alley、マンハッタン。 212-226-3970、アーティストスペース.org。

詩人で画家のエテル・アドナンやカナダの小説家から芸術家に転身したダグラス・クープランドのように、レネー・グラッドマンは文学の世界からめったに使われない脇道からアートの世界に参入します。 詩、小説、エッセイを通じて、グラッドマンは同世代で最も独創的な作家の一人としての地位を確立しました。 ラヴィッカという架空の都市を中心とした彼女の一連の哲学的思索小説は、味を生み出すインディーズ出版社、ドロシー プロジェクトの設立のきっかけとなりました。 それからグラッドマンは絵を描く道を書きました。

グラッドマンのニューヨークでのソロデビュー作「Narratives of Magnitude」では、彼女の特徴的な筆記体のような線が見られ、文字に似ているが判読できない。 彼女の初期に出版された図面では、これらの線が集まってエレガントに伸びており、建築の形態を示唆していました。 しかし、より最近（2019年から2022年）のアーティスツ・スペースでの20数点のドローイングは、グラッドマンがスケールを上げ、色を組み込むことによって作品を絵画に近づけるため、あまり確実ではなく、より暫定的になっているように見えます。 「Untitled (moon math)」(2022) の大きな黒いシートは、左側にいくつかの描かれた円によって中断された白い書き込みの密集したブロックと、数学の定理と中世の余白の光沢の両方を思い起こさせる右側の白亜の爆発を特徴としています。 作品全体を通して、1世紀前にバウハウスに影響を与えたロシア人芸術家エル・リシツキーのグラフィック構成を思い起こさせます。 グラッドマンは、自身の文章の中で、自分の散文を啓示的で予期せぬ場所に押し込むために、身体に対する疑いや意識を文章に織り込むことで、思考をドラマチックに表現することがよくあります。 これらの絵では、彼女が次の啓示の先端をまだ模索していることがわかります。 ジョン・ビンクラー

ローワー イースト サイド

3 月 22 日まで。トランプス、マンハッタン、ワシントン スクエア南 39 1/2 番地。 trampsltd.com。

チェリーレッドの床には漆塗りが施されているため、靴を脱ぐか覆うように求められますが、ステーキナイフが立ち並ぶシャンデリアから2フィートのところで、来場者がパンプスを脱げようとしゃがむというちょっとしたコメディもあったのではないかと思います。 結局のところ、アーティストのリジー・ブガツォスは鋭いパフォーマーです。クイーンズ出身のこの人は、2000 年代初頭からリズミカルなサイケノイズ バンド、ギャング ギャング ダンスのフロントに立ってきました。 彼女のトランプスの展覧会「Idolize the Burn, an Ode to Performance」の彫刻は、2001 年のショー中に焼身自殺をした後の彼女の回復に言及しています。 後壁には、一連のフレームがフォームレギンスの残骸を保持し、金属紙上で劇的に構成されたバーンジェルパッドを保持しています。 別のコーナーでは、ベージュの包帯と茶色のテープの 2 つの雄弁なコラージュが、これらがアーティストの古い包帯であることに気づかないうちに、斑点のあるバランスと肌のような深みを実現しています。

チェーンや下着、焼けたスーツなどを組み合わせたデザインが、ロマンチックでゴシックな雰囲気を醸し出しています。 暴力はありましたが、その余波は落ち着いていて、無気力で、少しノスタルジックです。 セロファンのテントの下にある花や香水瓶は、乾いているように見えます。 コンセントに立てかけられたポラロイドや壁に貼られたスナップショットでは、アーティストが新進気鋭のダンサーやヴァイオリニスト、そして当時からパフォーマーとして描かれている。 何よりも、靴下を履いてギャラリーを歩き回っていると、そこには靴が存在します。石炭またはカブトムシの黒をまぶしたセラミック製のハイヒールの山です。 鉄筋の燭台にはトウシューズが取り付けられており、まるで火がつきそうなほどワックス状だった。 トラヴィス・ディール

このまとめの以前のバージョンのレビューでは、アーティストのマーカス・ベーマーについて誤って説明されていました。 彼はユダヤ人の出版社と緊密に協力していました。 彼はユダヤ人ではありませんでした。

修正の処理方法

ジリアン・スタインハウアーは、アートとコミックの政治を取材する評論家兼レポーターです。 彼女は 2019 年にアンディ ウォーホル財団芸術作家助成金を獲得し、以前は Hyperallergic の上級編集者を務めていました。

ウィル・ハインリッヒは現代美術の新たな展開について執筆しており、以前は『ニューヨーカー』や『ニューヨーク・オブザーバー』で批評家を務めていました。 @willvheinrich

ジェイソン・ファラゴはタイムズ紙の評論家で、米国および海外の芸術と文化について執筆しています。 2022 年に、彼は批評とジャーナリズムを対象とした第 1 回シルバーズ・ダドリー賞の 1 つを受賞しました。 @jsf

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